剪辑 | 12条电影剪辑进阶技巧

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Oliver Peters是一名独立的视频/电影剪辑师,调色师,后期制作总监以及咨询师。自从1970年开始,Oliver Peters已经从事于音频,视频以及电影业,曾多次获得奖项,包括国内外的各种奖项。这篇文章摘自他的个人博客,希望对大家的剪辑有所帮助。

 

 

1.剪辑要紧凑

最好的方法即剪辑紧张场面但不使之过分剪短。

 

这意味着需要剪辑掉演员对话中不必要的停顿缩短每句中间的空白部分,甚至可以减去冗长不重要的对话不过在剪去对话前,请先征求导演的意见。

 

通常来说,我的方法是一开始就剪辑出精确的版本,而非剪出较长的电影再缩减大部分电影观众的注意力一般不超过90分钟,相当于一般电影的长度如果初剪完后电影长度大约100分钟,那你基本上还需继续剪到90分钟使电影更紧凑,但如果初剪完后电影长达两个小时甚至更长,那就需要动大手术了。

 

2.临时音乐

许多剪辑师喜欢用临时背景音乐剪辑电影,把临时音乐当做占位符。

 

在此我提出不提倡该做法的两个原因:

 

第一,一旦人们喜欢上临时音乐就很难再找到感觉不错的合适配乐;

 

第二,临时音乐会成为你的精神支柱当无趣的场景配上有趣的音乐时,你会更加宽容我更愿意剪辑出有力的电影场面并通过适当编辑使它完美呈现如果一个场景可以自己站得住脚,那配乐会锦上添花唯一的例外是蒙太奇镜头的音乐设置。因此,我在剪辑时候可以做的更好。。

 

3.不要使用法网剪辑方法

 

最初的法网电视连续剧使用特定对话剪辑方式:声音与画面完全同步,不存在重叠部分。

 

常用的方法是:剪A画面A讲完对白,剪B画面B讲完剪回A画面,就这样一直轮流剪辑下去。

 

剪辑大师沃尔特·默奇(Walter Murch)将这种剪辑方法命名为法网风格剪辑法。但事实上,观众对与声音和画面剪辑不重合的反应更好这种音画分离的剪辑方法称为split edits, L-cuts J-cuts.

 

我认为这种剪辑方法更贴近现实生活,我们先是听到有人开始说话,然后才抬头去看或者一个人正在说话,我们会看看我们的朋友的反应这种剪辑方法更贴近人的自然反应,会使影片更加流畅。

 

4.动作配合

使用演员手势,道具,视线或者走位是剪辑方法之一。

 

但沃尔特·默奇说,最好的方式是让情绪自然流露,或者剪出流畅的叙事节奏,技术上的剪辑反而是最不需要考虑的。

 

但也绝不可忽略,因为动作不相配会让观众难以入戏然而一个编辑朋友经常告诉我,过分注重匹配会束缚剪辑。如果观众能完全入戏,那他们常常会忽略那些镜头存在的不连续问题剪辑的职责就是尽量使观众融入剧情之中。


杜琪峰在夺命金中较为常用视线剪辑。

 

5.移动拍摄镜头

移动镜头是拍摄动作片的主要方式,可以是轨道摄影机,旋臂摄影机,摄影机稳定器或手持摄影机。

 

动作电影通常要呈现出紧张的氛围,当我剪辑电影时,我喜欢在镜头运动时作剪辑,保证一个接一个的镜头都处于运动状态,但许多导演兵不同意,他们更喜欢在摄影机开始移动前或停止移动后才剪辑但我更喜欢紧凑的剪辑方式,让观众目不暇接。

 

6.不要一直用同一个角度进行剪辑

如果导演拍摄了许多不同角度的镜头,不要一直机械的切回到同样角度,或者重读不久前使用的同一系类镜位。

 

当然,在一个对话场景中只有两个角度,难以避免重复剪辑,但是如果导演根据不同需要不同镜头框架进行拍摄,那不妨通过剪辑体现导演的意图不要被剪辑规则束缚,比如主镜头/单镜头/反转,主镜头/单镜头/反转等等可以尝试混搭一下。

 

7.镜头三个一组

当需要切换场景时,通常都是三个一组至少保持1.52秒也可更长。

 

举个例子,在主角进入房间环顾四周的场景中,以三个为一组剪辑视点镜头可以直观展示给观众主角所看到的整个场景,模仿我们真实的世界让观众身临其境。

 

8.重点剪辑演员的眼睛

演员在电视上,电影中和舞台上都凭脸蛋吸引注意,但最重要的是演员的眼睛。

 

当剪辑激烈的对话场景时,我都注意演员的眼睛他们是否传达出适当的情绪?对戏的演员反应如何?演员的表演决定我的剪辑,这个原则使我更专注于传达对话的主要演员而剪掉其他人的反应。

 

9.排除演员表演中的空气

和第一点相似我喜欢紧凑的剪辑。

 

注意大多数演员都表演夸张,超过合适的程度演员会强调停顿比脚本要求的增加,更多错误表现的更为口吃瞥的时间更长,但剪辑的职责是通过适当剪辑使表演恢复正常剪掉冗长动作和对白,使电影真实而不做作。

 

10.形成故事情节

据说世界上有三种电影:剧本型,拍摄型,剪辑型。

 

无论你剪辑哪一种类型时,都要高度注意故事脉络,不要害怕改变剧本或拍摄内容,只要是有意义为之许多剪辑师利用在画面分镜剧本作记录,从视觉上呈现出故事情节这可以帮助你确定以最通顺的逻辑呈现故事给观众。

 

11.利用数字辅助设备

像现代的NLEsfinishing techniques这样的数字媒介提供给制作人很多辅助工具。

 

比如,数字图像可以放大很多倍,你可以用这些工具变焦拍摄者放大一个镜头来拍摄广阔场景或特写镜头,如果用的是用RED数字摄像配35mm胶片拍摄那会很容易做到只要保证图像质量,不必害怕拉近焦距拍摄。

 

许多剪辑师经常讨论,用多画面屏幕来进行剪辑。通常是指两个演员的时间安排与预设不符(比如在一个过肩镜头或双人特写镜头中)但是可以剪辑出适当的场景节奏,放慢两个演员间的时间如果摄像机被锁定,演员动作重叠的部分不太复杂,那么可以用更简单的方法创造全新的OTS镜头,产生一种两个演员在表演的时间选择上有所偏差的视觉效应。


双人镜头在30年代的美国片开始相当常见,初进入有声片时期的摄影机相当笨重,在对话场面上使用双人镜头**减少移动摄影机的需要,但现今已变为构图上的一种需要,画面取自电影爱到底。

 

12.做自己的选择但也要考虑其他人

作为剪辑师的职责是形成故事情节把握电影节奏。

 

最重要的一点是帮助导演达到创造性的视觉效果,但是你也要有自己的想法大部分剪辑师都是独立完成初剪,这是你在电影打上鲜明的个人烙印的第一个机会。当初剪完成后,导演会和剪辑师通力合作把剪辑变成导演想要的版本。

你在剪辑和改变某一演员的表演时,所做的种种选择都影响了观众的观影感受。比如,剪掉对话中重复的部分可以使增强画面的紧张感这传达出一点,即使拍摄完毕剪辑工作也不可怠慢。剪辑师做出的决定,可以轻易改变场景传达出的感情,因此任何决定必须服从剧情当然,只有有符合逻辑的理由并且导演同意时你才能作这样的剪辑,如果不同意就要提供备选方案。

 

我喜欢在选择最好的场景前回顾一下取景镜头起初,导演也许从四个镜头中标记了第三个和第四个为取景范围,我实际上可能开始用第一个镜头,接着用第四个镜头的后半段在反复简介演员对话对白时,我经常剪掉包含很少取景镜头的过场场景。虽然你已经想好解释你所做剪辑的理由,但也要准备好应对改变。

 

大部分导演不会在后期制作时回顾每一个取景镜头,而是根据你剪辑表演的版本进行修改,无论是否欣赏演员的表演。如果他们的确欣赏某一演员的不同的表演,他们会建议修改剪辑或从取景镜头找到合适部分剪辑的场景,越让人感觉焕然一新并呈现出最令人信服的表演,导演就会越认同你的技术。

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